Davide Balliano

Quel a été votre parcours pour devenir l’artiste que vous êtes aujourd’hui ?
J’ai commencé par étudier du design graphique à Turin, ma ville natale en Italie, mais j’ai vite réalisé que cela n’était pas fait pour moi ; je me suis donc installé à Milan où j’ai obtenu un diplôme de photographie. La photographie a été ma passion durant de nombreuses années mais elle a fini par me lasser. Cela m’a toujours frustré dans mon désir de créer et de faire connaître mon travail, et me donnait la sensation agaçante de rechercher en permanence quelque chose qui existait déjà.

Pouvez-vous nous en dire plus sur l’importance de la technique dans votre travail ?
La base de ma recherche est le temps que je passe dans mon studio à penser ou à créer physiquement mes œuvres. C’est tout un procédé de compréhension mutuelle entre moi et mon travail, un moment de solitude et de concentration que je considère essentiel pour créer cette tension nécessaire à la création. C’est cet aspect qui était surtout absent dans mon travail de photographe et je suppose que c’est la raison pour laquelle je me suis peu à peu tourné vers une spécialité beaucoup plus conventionnelle telle que l’intervention et la sculpture. J’ai toujours voulu créer un travail plus abstrait et être un artiste plus poétique que narratif.

Sur quelles images aimez-vous travailler ?
J’ai commencé à peindre des interventions sur des photos d’Internet, mais je ressentais encore le poids de leur propre histoire et cela interférait fortement dans mon travail. J’ai donc commencé à travailler sur des images trouvées dans des livres d’histoire de l’art et d’architecture et j’interviens directement sur la page. Je pense que ce sont les images idéales pour mon travail sur papier même si elles sont figuratives, elles ont une pensée plus éphémère, plus mythologique que n’importe quelle photographie. Cela se marie beaucoup mieux avec mes interventions abstraites et permet plus facilement à l’œil de s’émerveiller, le libérant ainsi de l’obligation à trouver une signification précise à l’œuvre.

Quelle sont vos techniques et approches de votre travail ?
J’essaie d’avoir une approche minimaliste et nette, quelque soit la technique utilisée, car cela me fascine de pouvoir achever un travail important avec très peu d’éléments. Mes travaux sur papier sont en acrylique et à l’encre avec des interventions géométriques sur les pages de livres anciens. J’expérimente avec les formes et la géométrie, partant de la structure de l’image et je la projette à l’infini dans chaque direction. En peinture et en sculpture, j’ai une approche similaire. Je pars d’un matériau (ou d’une forme) connu et j’essaie de le rendre abstrait et de le déformer afin qu’il paraisse à la fois familier et étrange. Comme je l’ai déjà dit, je ne fais pas d’œuvre conceptuelle, mais plutôt un travail poétique où je crée aves les suggestions et les questions plutôt qu’avec des affirmations. Chaque lecture de mon travail est correcte et justifiée dans la mesure où elle accepte toutes les autres lectures comme étant également exactes.

Vous espérez donc trouver un sens aux éléments les plus simples ?
Je suis définitivement plus attiré par une simplicité complexe que par une écrasante quantité d’éléments. J’aime les travaux et les œuvres ouvertes que je peux rattacher à ma propre sensibilité et sans un sens précis et défini.

Cela doit certainement être compliqué de créer une œuvre avec peu d’éléments. Comment espérez-vous que votre travail sera reçu et décrit ?
J’aimerais que mon œuvre soit reconnue instinctivement. Je veux que les gens se voient reflétés dans mon travail et ressentent une émotion précise. C’est ce que j’ai moi-même recherché dans le travail d’autres artistes. Je pense que la reconnaissance d’un sentiment partagé peut abattre le mur de la solitude dont nous avons tous peur.

Qui ou/et quelles sont vos influences artistiques ?
Je trouve l’inspiration la plus utile pour mon travail dans l’étude d’autres arts tels que l’architecture, le cinéma et la littérature. L’échange avec des productions créatives autres que les arts visuels me laisse libre de construire mes propres idées sans qu’elles passent par le filtre des œuvres d’autres artistes. Ceci dit, j’aime le travail des grands maitres, Joseph Beuys, Donald Judd, Richard Serra, Marina Abramovic, Louise Bourgeois et Tehching Hsieh. J’aime le travail de recherche de jeunes artistes comme Tom Burr, Andro Wekua, Victor Man, Becky Beasley et Claire Barclay.

Pouvez-vous nous parler de votre travail, The Gatekeeper ? Qu’avez-vous dessiné sur cette image ?
Ce qui m’a fasciné dans cette image a été sa complexité mystérieuse. Elle m’a rappelé une figure mythologique, une sorte d’oracle aveugle qui signale et défend un passage étroit, un chemin secret vers l’inconnu. Ce travail était une partie d’un vaste projet sur la première phase du sommeil. La métaphore de la cécité comme une condition impérative pour le voyage a été un élément important du travail.

Quel est votre point de vue sur l’image que vous avez intitulée, King & Queen ?
J’ai été très intéressé par l’équilibre ambigu que j’ai trouvé entre ces deux personnages. Je regarde rarement l’intitulé ou le contexte des images sur lesquelles je travaille. Je préfère plutôt ne pas connaître la vérité sur leurs antécédents. J’aime être surpris par eux, par leur relation et par la tension qui découle de leur union.

Ne rien savoir sur l’image et être très ouvert dans votre création est un élément très important de votre travail.
Oui, il s’agit d’une part importante de mes recherches sur l’intervention. Je ne veux pas avoir trop d’informations sur les images sur lesquelles je travaille, car plus j’en ai, plus je suis influencé par leur signification historique. Je préfère m’attacher plus à l’ambiance qu’elles dégagent. Je ne me suis jamais occupé des faits historiques spécifiques de l’image, mais uniquement de sa magnifique surface. J’aime aussi travailler directement sur une page, comme un objet qui porte le poids de l’Histoire et qui me survivra. C’est mon empreinte sur l’Histoire et je pense que c’est un désir profondément lié à mon besoin de pratiquer l’art.

Quels sont vos futurs projets ?
Je travaille actuellement sur une exposition individuelle pour l’espace Zurich de la Galerie Marc De Puechredon qui ouvrira ses portes le 24 Novembre. Ensuite j’ai une autre exposition individuelle dans un espace de projet à Milan en Italie mi-décembre. En janvier et février prochains, je vais partir en Indonésie pour participer à un projet de recherche sur la sculpture sur bois traditionnelle et sur l’architecture archéologique. Ensuite je m’envolerai pour Sao Paulo au Brésil pour l’ouverture d’une exposition collective où je présenterai une grande installation spécifique au site tout en préparant une autre exposition individuelle pour Berlin en juin 2012. Je vais donc être très occupé dans les prochains mois.

Theresa Barbaro